Revivir el proceso y capturar lo efímero del acto creativo

Sarah Van Gameren y Tim Simpson, conocidos como Glithero, llevan ya más de 10 años trabajando como estudio, pero su trabajo sigue desprendiendo la frescura y originalidad de sus inicios.

En 2015, sus jarrones con impresiones de plata viajaron a Barcelona para formar parte de nuestra exposición «Out of Place» y Tim dio una charla épica en la que habló sobre su obsesión con el proceso a través de un video de youtube de fabricación de un helado de Vienneta . Sin embargo, su particular enfoque sobre el proceso de trabajo es opuesto a lo industrial, y se enfoca en la artesanía, la cosecha, lo hecho a mano y la transformación en el acto creativo.

Todos sus trabajos tratan sobre cómo hacer visible un proceso que a menudo es invisible, especialmente en el diseño. Hablamos con ellos en su estudio del norte de Londres, donde compartieron algunas ideas sobre su particular enfoque y lo que impulsa cada proyecto que asumen.

Recientemente habéis lanzado Botanical Tiles, un proyecto que parece tener reminiscencias de los jarrones Silverware que exhibisteis aquí en el FAD en 2015. ¿Podéis contarnos un poco más sobre el proyecto?

Sí, están relacionados. Nos encanta evolucionar nuestros proyectos a veces. Siempre nos han interesado las plantas. Uno de los primeros proyectos que hicimos como estudio surgió de un archivo de botánico que empezamos, un herbario. Cada año recopilamos nuevas plantas. Algunas veces vamos a buscar algas marinas a la costa, pero la mayoría del tiempo trabajamos con plantas que son realmente locales para nosotros, que encontramos en los alrededores de nuestro estudio. Con el tiempo, hemos descubierto que cuando se crea un herbario, las plantas menos interesantes son las que se ven bien en la tienda. A nosotros nos interesan más las plantas urbanas. El proceso es sencillo: las capturamos, las aplanamos con cuidado y las secamos durante un par de meses y luego comenzamos a usarlas.

Las usamos, por ejemplo, para nuestras cerámicas impresas con cianotipos. Más tarde, desarrollamos el proyecto haciendo impresión en plata sobre porcelana. Con Botanical Tiles, dimos un giro al proyecto pasando de la fotografía al dibujo. Encontramos un taller de azulejos en los Países Bajos donde nos mostraron las técnicas que han estado utilizando en el pasado. Pese a que la mayoría de ellas ya no se utilizan, estaban dispuestos a recuperarlas y juntos encontramos un método realmente bueno. Con él, hay una interpretación del espécimen, que se dibuja a mano, y esto hace que cada pieza sea realmente única. Pudimos desarrollar este proyecto porque un cliente nuestro que ha estado siguiendo nuestro trabajo durante mucho tiempo nos encargó el primer panel, ¡y ahora ya estamos trabajando en nuestro sexto mural!

¿Podéis contarnos un poco sobre el proyecto Nez a Nez?

Nos contactó el MUDAC (Museo de Diseño y Artesanía Contemporáneas) en Lausana para diseñar el escenario de una exposición de perfumes. Era una comisión inusual, ya que no somos diseñadores de interiores y el encargo involucraba la creación de un espacio para mostrar algo intangible, el olor. Pero el resultado tiene una fuerte resonancia sobre cómo Tim y yo pensamos y sobre el trabajo que nos gusta hacer, esta idea de hacer visible lo invisible y capturar un momento fugaz.

Pensamos que había dos formas de abordar el encargo, una que fuera lo más física posible para contrarrestar el hecho de que la esencia de la exposición era intangible, y la otra sería hacer lo contrario, es decir, diseñar lo menos posible para hacer eco de la invisible y a la vez poderosa presencia de perfume. Al final optamos por esta última opción, lo cual fue un desafío, pero para nosotros resultaba más coherente: trabajar con luz y vidrio, efemeridad e intangibilidad, en lugar de aplicar ingeniería excesiva o diseñar en exceso. Tuvimos mucha suerte de tener una luz excepcional en el museo, una increíble colección de vidrio y conexiones con sopladores de vidrio locales, por lo que el proyecto se desarrolló orgánicamente.

¿Cómo llegó el museo a vosotros?

El proyecto surgió de un taller que impartimos en el marco del programa de talleres de verano de Domaine du Boisbuchet. Normalmente, establecemos nuestro propio brief para el taller de una semana, pero en esta ocasión, Boisbuchet nos ofreció el brief, que era trabajar con un museo que estaba planeando una exposición de perfumes.

El museo quería que probáramos cómo se podía presentar un perfume. Hicimos nuestros propios perfumes utilizando una técnica de cosecha similar a la que usamos para crear nuestros proyectos basados ​​en herbarios. Pedimos a los alumnos que extrajeran perfumes del campo. Trabajamos con cerámica y vidrio y presentamos los resultados del taller creando la escenografía para una presentación con aromas que fue un gran éxito. El museo se mostró satisfecho con el resultado de nuestra investigación con los perfumes y, como resultado, nos pidieron que trabajáramos con ellos para diseñar el espacio para la exposición.

En 2010 formasteis parte de la exposición «Design by Performance» en Z33 House for Contemporary Art. En 2015 en la exposición de performance Station to Station en el Barbican, y colaborasteis ​​con coreógrafos de la compañía de danza Siobhan Davies. ¿Cómo enfocáis la performance desde la perspectiva del diseño?

Normalmente, cuando hacemos algo nuevo, siempre nos centramos tanto en el momento de la creación como en el producto final. Esta forma de pensar está muy vinculada al proceso, al momento de realización de una pieza. En realidad, nuestro trabajo trata sobre este mismo momento, el momento en que los productos de diseño cobran vida de repente y se convierten en algo de la nada. Siempre intentamos encontrar este momento en nuestro trabajo y mostrárselo a los espectadores porque para nosotros es donde está la belleza del producto, no en la pieza terminada.

Para Station to Station, nos emparejaron con la compañía de danza Siobhan Davies, que está acostumbrada a trabajar con artistas. Juntos, hicimos una actuación única en la Curve Gallery que partía de la técnica de hacer algo, en este caso concreto, de hacer líneas con tiza y los movimientos del cuerpo utilizados para hacer eso. Para Design by Performance, creamos lo que llamamos un «molde en movimiento» (Running Mold), una interpretación de la técnica artesanal de hacer cornisas de yeso que proviene de la arquitectura clásica. Construimos un pivote en el centro de la galería y vertimos yeso húmedo en el suelo. Cuando el yeso estaba a punto de curarse, empujamos un gran molde de madera con un perfil afilado de zinc a través del material varias veces, acumulando capa tras capa, para dejar un raspado perfecto de yeso. Después de secarse completamente, quedó un banco de yeso duro.

Domino Light también requiere realizar un acto…

Sí, todos estos proyectos tienen algo en común, reflexionan sobre algo que tiene lugar solo por un momento, la belleza de una flor en las baldosas botánicas, las moléculas de perfume en Nez a Nez, la ejecución de un gesto, o como en Domino Light, mostrar que la luz tiene lugar gracias a un momento de conductividad, el momento en que se completa el circuito eléctrico.

Con Domingo Light , queríamos hacer visible cómo funciona el circuito. El cobre tiene un elemento conductor, por lo que construimos piezas de dominó de cobre y solo cuando las piezas se tocan y el circuito se completa, la luz se enciende. Por el momento estamos pensando en evolucionar el proyecto. Nos encanta ese elemento de performance con nuestros proyectos.

Sarah, tu eres holandesa y estudiaste en la Design Academy Eindhoven, que cuenta con una importante escena de diseño, pero conociste a Tim haciendo un máster en el Royal College of Art de Londres. ¿Cómo ves ambas escenas de diseño?

Es posible que haya venido aquí porque ya existe una escena de diseño expansiva en Holanda y no es realmente la escena en la que me siento más cómoda. Trabajamos en el campo del diseño, pero en la forma en que investigamos y pensamos, vamos más allá del diseño, especialmente en la gente con la que colaboramos: bailarines, artistas, perfumistas, músicos, botánicos, ingenieros, arquitectos… No viajas muy lejos trabajando con otros diseñadores, tenemos influencias, pero solo de aquellos que están muy cerca de nosotros. Encontramos la escena de Londres mucho más experimental, más libre de tendencias.

Habéis presentado ambiciosas instalaciones en la Semana del Diseño de Milán, en el London Design Festival y en la Bienal Internacional de Diseño en Saint-Étienne, produciendo proyectos complejos y, sin embargo, después de 10 años, todavía mantenéis una estructura mínima en el estudio. ¿Cómo manejáis la carga de trabajo?

Nunca hemos querido trabajar muy comercialmente. Queríamos ser manejables y trabajar solo en lo que nos pareciera creativamente interesante. Expandimos y contraemos nuestra estructura ajustándonos a los requisitos de cada proyecto, y (Tim y yo) tratamos de mantener nuestro liderazgo artístico intacto tanto como sea posible. Nuestro trabajo es conceptual, y muy pensado. No siempre es visible, pero siempre pasamos mucho tiempo hablando juntos antes de hacer algo. Escribimos los argumentos, para nosotros es muy importante saber por qué estamos creando algo. Sin embargo, siempre hemos trabajado con personas y somos fácilmente expandibles cuando es necesario.

¿En qué estáis trabajando en este momento?

Es divertido porque estamos trabajando en varios proyectos en este momento, pero en realidad, se suponía que tenía que ser un momento tranquilo. Habíamos planeado tomar un descanso para crear espacio para nuevas ideas, pero aún no está sucediendo. Estamos trabajando en una nueva colección para Gallery Fumi. También hemos realizando un par de encargos, uno relacionado con cosas que hemos hecho y otro que es completamente nuevo. Y además, estamos trabajando en una instalación para un spa.

Entrevista realizada por Sol Polo.
Imágenes cortesía de Glithero.